华语电影配乐，来到“大片时代”？

再创新高！

截至8月13日15时06分，2025年暑期档（6月—8月）电影总票房（含预售）突破90亿，打了个漂亮的翻身仗。截至13日13时18分，8月电影总票房已破30亿，《南京照相馆》《浪浪山小妖怪》《东极岛》分列前三位。

其中，《东极岛》呈现了国内不输好莱坞的视效水准，呈现国产工业片中极少见的高实拍占比，打破了华语电影史上最长水戏拍摄记录。难能可贵的是，片方在电影配乐上也下足了功夫，让观众闭上眼，也能听见东极岛岛民的血性。

暑期档最强配乐

“万物洪荒，先有了天哦，天上落雨，便有了地啊。”

走出影院时，许多观众都记住了这首《东极谣》。空灵的女声细水长流，在情节推进中情绪不断汇集，最终用鼓声与大合唱演绎成壮阔的呐喊。歌曲的变奏与影片节奏一气呵成，经过隐忍与克制的叙事后，迎来了情绪的高点。

正如网友所评论：“谁懂在电影院里听到谭维维歌声的神性与救赎感”。

早在《东极岛》在剧本创作期间，导演管虎、费振翔就找到音乐总监于飞，希望她能“先做一首岛上渔民的小调，要求是空灵的，是揭示灵魂的，有一些女性色彩的”。

于飞对音乐先声透露，《东极谣》的灵感来自东极岛上的“小孩洞”（因洞口狭窄只能容下小孩子进出而得名），逼狭的空间形成了天然的混响，于是有了片中反复听到的“余音缭绕”的女声。这段女声的吟唱从拍摄初期便诞生，伴随着影片的节奏不断变奏与延展，一直延续到剪辑阶段，从最初的清唱小调逐渐融入更多层次的和声与配器，经由谭维维的演绎出现在成片里。

海螺，是影片的另一处声音标志。

为了在音乐上呈现出海岛的质感，于飞和团队定制了很多人造海螺，实验后觉得欠缺真实感。于是，他们转而寻找真正的海螺，定下几十只，每一只都能吹出一个独特的音色。其中，最特别的是一只长达两米的大海螺——贴在耳边时，回声空灵，于飞形容“那是一种岛上的平静被打破的声音体验”。

在影片中，这种声波随着日本人上岛的情节，被偶尔点缀出来，像暗流一般潜伏在交响乐之下，成为观众情绪的潜台词——既陌生又本能地感到警惕。

海螺的音色经过延伸、处理，巧妙地融合到恢弘的交响乐章中，点石成金般成就了交响乐中的情绪。当阿荡跃入海中救人，海螺的声音像是海怪的嘶吼，预示危机轰然而来；里斯本丸沉没时，海螺的声音又抽象变形成挽歌；渔民向着里斯本丸进发，突兀的海螺声又成为出军号角。

在片尾近20分钟的超长海战中，音乐更是成为绝对的主角。

“导演希望观众能在听觉上感受到两种世界的对比和反差。”于飞告诉音乐先声。代表海岛的声音空灵而质朴,而代表里斯本丸的声音则是冰冷“金属”质感。随着电影节奏，两种声音缓慢过度，金属化的合成音色逐步侵入质朴的民谣，仿佛岛上的宁静被一点点碾碎。

直到片尾高潮，打击乐与人声的无字吟唱让两个世界在听觉上合二为一。阿赑潜入里斯本丸，涉险从船舱中救出英军时，极重的鼓声补上紧张中漏跳一拍的心跳；阿花立足船头，带着千帆过境时鼓声是行进的军鼓。

最终，战场上的音乐并非全然客观再现，而是带着主观情绪的“听觉叙事”——在鼓声、金属音与交响的交织中，观众感受到的不只是炮火的轰鸣，更是岛民在毁灭与抗争之间的心境变化。

走向叙事深处

谈及自己的创作哲学，电影配乐大师汉斯·季默曾表示：“我试着讲一个平行的故事。”

在惯常的观念中，配乐往往是电影工业中的“配乐”，适时出现，烘托情绪，悄然退场。紧张时加速节奏、悲伤时低沉旋律、高兴时欢乐轻快，这种稍显表面的

情绪引导，虽普遍存在于电影中，却限制了配乐的艺术潜力和叙事价值。

而有追求的电影人们不断尝试着推陈出新，让配乐可以有独立的创作空间与艺术想象力，更可以跟台词、影像、表演一样，深度地参与到叙事之中，甚至可以成为叙事本身。不同于电影配乐后期入组的常态，《东极岛》的配乐团队从剧本期便加入核心创作流程，视觉和听觉团队几乎是同步创作，使音乐成为叙事的有机组成部分。

“先有旋律再拍摄的这种创作方式，使得镜头语言更加音乐化，创作视角也更加全局和系统。”于飞表示。从空灵的《东极谣》到采集自海螺的天然之声，再到两种声效的碰撞，导演团队与配乐团队在创作初期就频繁沟通，音乐不仅引导了画面的节奏感，更成为了情绪传递和叙事推进的核心线索，让音乐与影像相互成就，彼此呼应。

同时，为了“撑”起这部视效大片，《东极岛》的配乐团队特别组建了一支235人的专业乐团，涵盖交响乐团、民族乐器、合唱团等多元化音乐力量，并采用多地协同录制的复杂流程。

“我们先在布达佩斯录了整个乐团，主要是给整个配乐打个底，包括对声场进行一个构建。”于飞介绍说。随后，团队又在伦敦的Abbey Road Studio 1进行一次double录制，特别加强了影片中后半段宏大叙事的音乐表现。“Abbey Road studio 1特别大，我们进行了包含打击乐组的整个全编制的乐队录制，当将近100人的乐队一起演奏电影配乐的那一刻真的是震撼的。”

最后，团队在北京录制了片中的合唱部分与民族音乐乐器，为配乐注入更具地域辨识度与情感温度的声音。在大编制乐团的宏大底色，北京的录制完成细节上的雕琢，让整部影片的音乐从恢弘走向鲜活，更具血肉。

为了保障声音的统一和空间感，录音计划经过严格设计，配乐团队与录音师密切合作，针对杜比全景声（Dolby Atmos）技术对话筒布局进行了精细调整。录音设备的摆放及空间声学的优化，确保了最终混音在影院环境中的沉浸感和细节还原度。此外，团队还特别邀请到《沙丘》《异形》的录音师Rupert负责影片的最终混音，为影片打造了层次丰富、环绕感极强的沉浸式音效体验。

可以说，《东极岛》的配乐不仅在于高规格的工业化制作水平，更在于反映出华语电影配乐迈向国际顶尖水准的野心。前置介入创作流程、跨领域专业团队协同、多元音乐风格融合、音效与配乐高度整合，这些尝试也许正在为华语电影配乐的工业化升级提供了清晰路径。

影视配乐如何突围？

“绝”、“震撼”、“眼泪止不住地往下流”……

谈及《东极岛》的配乐，观众给出了一致的好评。电影横跨多个时间线、涉及群像刻画、并且大量海上戏份的战争题材影片中，做到这个程度绝非易事。这要求配乐不仅要应对复杂的场景转换和情绪层次，还要在巨量的环境效果音与对白中保持清晰的音乐存在感。

在国内，电影配乐时常是有些“尴尬”的存在，它既不可或缺，却又常常被忽视。当电影散场，观众们能记住的是演员的表演、导演的叙事以及特效的表现力，鲜少有人能在配乐中找到记忆点。

如此一来，在制片方的眼中，配乐往往被当成成本中心，而非潜在的利润增长点。一旦预算不足，音乐经费似乎是首当其冲被削减。“现在各部门都在压缩预算，再加上MIDI的质量好了很多，实录的机会就越来越少，但这对于创作者来说，也是个很大的损失。”

在于飞看来，实录不仅能让乐手将情感注入旋律，代替MIDI获得“生命力”，还能让音乐在情绪和质感上与画面产生微妙共鸣。然而，随着预算紧缩和短视频内容的冲击，过去那些可以反复打磨、请到顶级乐手进行二次创作的机会正在减少，很多电影或电视剧的音乐甚至被短剧盗版使用，这让她产生了一种行业“倒退”的无奈感。

不过，她认为，当下公众认知的普遍缺失并不是一个问题。“当你把好的东西呈现出来，观众是能认知到的。”

近年来，于飞在自己的作品中尝试着多层次探索与创新。在《动物世界》中第一次尝试多维声录音制式，《八佰》中第一次尝试发行杜比全景声原声专辑；《刺杀小说家》全片第一次尝试杜比全景声7.1.2交付格式并大量的的将电子音色与交响乐融入其中；《中国乒乓》第一次尝试全片将乒乓球声音作为“Object对象”方式融入到配乐当中，成为音效音乐化的典型案例。

此外，我们也看到，市场上既有《周处除三害》引发全民哼唱的OST《新造的人》，也有《黑神话》带领国产配乐走向国际；《隐秘的角落》《爱情神话》《好东西》《河边的错误》等优质剧集，也挖掘到了一批优质的独立音乐人，让契合剧情和时代的配乐走到了台前。

影视音乐的影响力早已不局限于影院的两三个小时，而是能在更广阔的文化语境中发酵。从商业大片到小众文艺片，从院线电影到游戏、短视频，音乐的情绪力和叙事力正在不断突破传统媒介的边界。配乐人从来不只是“幕后工匠”，他们的创作正在塑造公众对作品气质的第一印象，并在内容传播的后续链路中持续发挥作用。

在国产文艺作品呼吁精品化的当下，影视音乐不该被忽视，我们应当“听”到更多配乐人的声音。